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Fournillier

The general perception of French music seems to be that it’s light, ethereal, sometimes even jolly, distinctly lacking violence or harshness. However, we too can be harsh in our music. The French, after all, have even managed revolutions! Hence, I ended up choosing three very different pieces for you, which do justice to the immense range of French music out there.

Avec Patrick concert is an evening of musical gems from three 20th century French composers. The concert brings together three masterpieces. When Conductor Patrick Fournillier was putting together the evening’s programme, his aim was to offer something special, a departure from the traditional French concert repertoire. This article is an introduction to those pieces.

Avec Patrick at the Finnish National Opera and Ballet on 28th January 2020.

Gabriel Fauré: Pelléas et Mélisande

Gabriel Fauré (1845–1924) originally composed Pelléas and Mélisande as incidental music for Maurice Maeterlinck’s eponymous play in 1898. As his music for the play failed to attract attention, he turned it into the four-part Suite for Orchestra that saw its premiere in Paris in 1912.

Perhaps it was the play’s mysterious ambience and metaphorical qualities that made the story so inspiring for a composer. There are several dreamlike scenes in the play, such as the loss of Mélisande’s ring underwater, and the visits to the castle basement and the cave. Fauré’s music for the play was the first composition based on the story to be completed and performed, but other notable composers have also used it, including Jean Sibelius. Debussy turned it into an opera, Sibelius composed incidental music for a play, and Arnold Schoenberg wrote a symphonic poem for orchestra. Everyone’s approach was different, but each in their own way captured something of the enigmatic Mélisande and the love between her and Pelléas.

The orchestration of Pelléas and Mélisande is very traditional: two flutes, two oboes, two clarinets, two bassoons, two French horns, two trumpets, percussion, a harp, and strings. It’s like Mozart’s orchestration for a chamber orchestra, but you must play the music as if you had an entire symphony orchestra.

Fileuse, the spinning song, describes the enigmatic Mélisande at her spinning wheel, pining for love. Fauré was deeply moved by this metaphor of spinning yarn and love, later using the same concept in the only opera Pénélope. In the opera, a woman spins yarn, which is like two lovers’ endless yearning for each other. At the same time, this yarn symbolises love, which also must be worked on, spun, to maintain the connection to one’s lover.

Albert Roussel: Symphony No. 3 in G minor, Op. 42

Albert Roussel’s (1869–1937) life as a composer was highly unusual, and his career began late compared to many of his contemporaries. His musical talent was already apparent from a young age, but he still joined the French navy at the age of 18 and worked as a sailor before studying composition and becoming an artist. During his time in the navy, he travelled widely in the Far East and India. Later on, while already studying, he’d return to the navy from time to time and finalise his compositions during the journey.

His travels inspired him deeply, and many of his works reflect foreign cultural influences and the ruthlessness of nature. His best known exotically inspired work is the opera-ballet Padmâvatî, based on a Hindu legend.

Roussel’s early compositions were often influenced by symbolism and his contemporaries Debussy and Ravel. His later works are considered neoclassical.

Out of the four symphonies Roussel composed, Symphony No. 3 is probably the best known. It was a commissioned work for the 50th anniversary celebration of the Boston Symphony Orchestra, which also saw the world premiere of Stravinsky’s A Symphony of Palms, among others.

Symphony No. 3 has more tension than Roussel’s other symphonies, and it’s clearly been shaped by the composer’s growing maturity and his experiences while travelling. It dates from a later stage of Roussel’s career – soon after, he would finalise his most famous ballet Bacchus and Ariadne. Roussel’s composition process for Symphony No. 3 was restless. He spent two years on it, while sailing at sea.

Essentially, Roussel was a fantastic orchestrator, equal in skills to Ravel and Massenet. Together they made a visible mark on French music and led the way for many French composers who came after them.

Roussel’s music is strong and powerful, like a sturdy rock, yet light and ethereal at the same time. Each movement of the symphony has its own colour, but the work still remains a logical, unbroken entity.

Admiration of all things exotic was very typical of French romanticism. Many composers drew inspiration from far-away countries, including Bizet for his Spanish-inspired Carmen and his oriental Pearl Fishes and Delibes with his Lakmé taking place in India. Roussel is a fascinating character, as he travelled far and wide and experienced the musical styles of different countries first hand.

Francis Poulenc: Gloria

Francis Poulenc’s (1899–1963) Gloria saw its world premiere in Boston in January 1961. It is one of the composer’s most significant works.

Though Poulenc was not a radical pioneer of art music, he did create his own distinct style. In terms of melodies, he has been compared to Fauré, and in the field of sacred music he has been likened to Messiaen.

Poulenc also immersed himself into the contemporary music of his time: he travelled to Vienna with Darius Milhaud to meet Arnold Schoenberg and to Italy to meet Casella. It was around this time that Poulenc joined the group of French neoclassical composers called Le Groupe des Six. His compositions include, for example, three operas, several ballets, a piano concerto, a lot of masses and rituals, and plenty of chamber music. He has also created a broad range of vocal music, including more than 100 songs.

The key moment in Poulenc’s career was when he started to compose religious music in the 30s, most notably Gloria and Stabat mater. Both works use the same elements: a large chorus, a soloist, and a bombastic orchestra. They both count among Poulenc’s most popular compositions.

Poulenc composed Gloria in the later years of his life, and it echoes with deep experience and maturity. Poulenc was inspired by composers of several generations, such as Rameau, Berlioz, Bizet, Massenet, and Ravel. Still, in Gloria, his signature musical language can be heard from the very first chords on. It rings with joy and grace, and dazzles with different colours of light.

 

Text PETRA RÖNKÄ
Photos VEIKKO KÄHKÖNEN & HEIKKI TUULI

En français

Fournillier

La musique française est couramment perçue comme une musique légère, éthérée, parfois aussi comme joyeuse, nettement dépourvue de violence ou de cruauté. Cependant, nous savons également être durs dans notre musique. Après tout, les Français sont bien arrivés à faire la révolution ! C’est ainsi que j’ai retenu trois morceaux très différents à votre attention qui font honneur à l’immense gamme de la musique française.

Chère audience du Avec Patrick concert !

Je suis ravi de vous présenter cette soirée pleine de joyaux de la musique des compositeurs français du 20e siècle. Le premier de ces chefs-d’œuvre est la Suite pour orchestre de Gabriel Fauré, basée sur la pièce de Maeterlinck Pelléas et Mélisande. Ensuite, nous entendrons la Symphonie nº 3 d’Albert Roussel qui reflète la vie mouvementée du compositeur, et qui est considérée comme une des symphonies françaises majeures de tous les temps. Le concert se terminera avec l’œuvre de Francis Poulenc Gloria, dans laquelle l’Orchestre de l’Opéra national de Finlande se produira avec la chanteuse soprano Anu Komsi et la chorale de l’Opéra.

En compilant le programme de la soirée, j’ai voulu offrir quelque chose de spécial, une évasion du répertoire traditionnel du concert français. Laissez-moi vous présenter ces morceaux pour vous guider dans votre découverte.

Avec Patrick, à l’Opéra national de Finlande, le 28 janvier 2020.

Gabriel Fauré: Pelléas et Mélisande

Gabriel Fauré (1845–1924) a composé à l’origine Pelléas et Mélisande en tant que musique de scène pour la pièce éponyme de Maurice Maeterlinck, en 1898. Étant donné que la musique pour la pièce ne suscita pas beaucoup d’attention, il la modifia en la Suite pour Orchestre en quatre parties dont la première eut lieu à Paris en 1912.

Ce sont probablement l’ambiance mystérieuse et les qualités métaphoriques qui ont rendu cette histoire si inspirante pour le compositeur. La pièce comprend plusieurs scènes oniriques, comme la perte de la bague de Mélisande dans l’eau, et les visites dans les sous-sol du château et dans la grotte. La musique de Fauré pour cette pièce a été la première composition basée sur cette histoire qui a été achevée et jouée, mais d’autres compositeurs notoires ont également été inspirés par Maeterlinck, y compris Claude Debussy, Jean Sibelius et Arnold Schoenberg. Debussy en a fait un opéra, Sibelius a composé une musique de scène pour une pièce, et Schoenberg a écrit un poème symphonique pour orchestre. Ils ont tous eu une approche différente, mais chacun a capturé  à sa manière la facette énigmatique de Mélisande et son amour qui la liait à Pelléas.

L’orchestration de Pelléas et Mélisande est relativement traditionnelle : deux flûtes, deux hautbois, deux clarinettes, deux bassons, deux cors français, deux trompettes, une percussion, une harpe et les cordes. C’est comme l’orchestration de Mozart pour un orchestre de chambre, mais vous devez jouer la musique comme si vous aviez un orchestre symphonique au complet.

Fileuse, le chant de filature, décrit l’énigmatique Mélisande sur son rouet qui se languit d’amour. Fauré était profondément touché par cette métaphore de filature du fil et de l’amour, et il a réutilisé ce même concept dans le seul opéra qu’il a composé, Pénélope. Dans cet opéra, la femme qui file évoque le désir infini éprouvé par les amants. Aussi, le fil symbolise l’amour sur lequel on doit aussi travailler, et il doit être filé pour maintenir la relation avec l’être aimé.

Albert Roussel: Symphonie nº 3 en G mineur, Op. 42

La vie du compositeur Albert Roussel (1869–1937) a été exceptionnelle, et sa carrière a commencé tardivement, comparé à nombreux de ses contemporains. Son talent musical a été révélé à un âge précoce, mais malgré cela, il s’est engagé dans la marine française à l’âge de 18 ans, et a travaillé en tant que marin avant d’étudier la composition pour devenir musicien. Pendant ce temps passé dans la marine, il a beaucoup voyagé en Extrême-Orient et en Inde. Plus tard, alors qu’il étudiait déjà, il retournait dans la marine de temps à autre, et finalisait ses compositions pendant les voyages.

Ses voyages l’ont fortement inspiré, et la plupart de ses œuvres reflètent les influences culturelles étrangères et la cruauté de la nature. Sa meilleure œuvre exotique connue est l’opéra-ballet Padmâvatî, basé sur une légende hindoue.

Les compositions précoces de Roussel ont souvent été influencées par le symbolisme et par les artistes contemporains Debussy et Ravel. Ses travaux tardifs sont considérés comme des œuvres néoclassiques.

Parmi les quatre symphonies composées par Roussel, la Symphonie nº 3 est certainement la plus connue. Elle été commanditée pour la célébration de l’anniversaire des 50 ans de l’Orchestre symphonique de Boston qui a également vu la première de l’œuvre de Stravinsky La Symphonie de Psaumes, parmi d’autres.

La Symphonie nº 3  comprend plus de tensions que les autres symphonies de Roussel, et elle a nettement été façonnée par la maturité croissante du compositeur et ses expériences de voyage. Elle date de la période tardive de la carrière de Roussel — qui, bientôt après cela. finalisera son ballet le plus célèbre Bacchus et Ariane. Le processus de composition de Roussel pour la Symphonie nº 3  fut agité. Il y consacra deux années tout en navigant sur les mers.

Roussel était principalement un orchestrateur fantastique dont les compétences égalaient celles de Ravel et Massenet. Ils ont tous laissé une marque visible sur la musique française et ils ont ouvert la voie à de nombreux compositeurs qui les ont suivis.

La musique de Roussel est forte et puissante, tel une roche solide, tout en étant à la fois légère et éthérée. Chaque mouvement de la symphonie est empreint de sa propre couleur, mais l’œuvre reste une entité logique et continue.

L’admiration pour l’exotisme était un trait typique du mouvement romantique français. De nombreux compositeurs ont puisé leur inspiration dans les pays lointains, y compris Bizet pour son œuvre Carmen, d’inspiration espagnole et son œuvre orientale Pêcheurs de perles, ainsi que Delibes avec son œuvre Lakmé qui se déroule en Inde. Roussel est un personnage fascinant, étant donné qu’il a beaucoup voyagé à travers le monde, et qu’il a expérimenté de manière approfondie les styles musicaux de différents pays sur place.

Francis Poulenc: Gloria

L’œuvre de Francis Poulenc (1899–1963) Gloria a vu sa première mondiale à Boston en janvier 1961. Elle figure parmi les œuvres majeures du compositeur.

Bien que Poulenc ne fut pas un pionnier radical de la musique savante, il a su créer son propre style distinct. En termes de mélodie, il a été comparé à Fauré, et dans le domaine de la musique sacrée, il a été  apparenté à Messiaen.

Poulenc s‘est aussi immergé dans la musique contemporaine de son temps : il a voyagé jusqu’à Vienne avec Darius Milhaud pour rencontrer Arnold Schoenberg, et en Italie pour rencontrer Casella. C’est à cette époque que Poulenc a rejoint le groupe de compositeurs français néoclassiques appelés Le Groupe des Six. Ses compositions ont compris, par exemple, trois opéras, plusieurs ballets, deux concertos pour piano, un concerto pour clavecin, un concerto pour orgue, beaucoup de messes  et de rituels, et plein de musique de chambre. Il a également créé une vaste gamme de musique vocale, y compris plus de 100 chants.

Le sommet de la carrière de Poulenc se situe au moment où il commença à composer de la musique religieuse dans les années 1930, notamment Gloria et Stabat Mater. Ces deux œuvres utilisent les mêmes éléments : une grande chorale variée, un soliste (soprano) et un orchestre bombastique. Elles figurent toutes deux parmi les compositions les plus populaires de Poulenc.

Il a composé l’œuvre Gloria dans ses années tardives, qui fait écho à une profonde expérience et une grande maturité. Poulenc a été inspiré par des compositeurs de plusieurs générations, comme Rameau, Berlioz, Bizet, Massenet et Ravel. Toutefois, dans Gloria, son langage musical caractéristique se fait entendre dès les toutes premières cordes. Il retentit avec joie et grâce, et nous éblouit avec les différentes couleurs de la lumière.

Je vous souhaite un voyage captivant en compagnie de mes compatriotes talentueux. Bonne soirée !

– Patrick Fournillier

 

Texte PETRA RÖNKÄ
Photos VEIKKO KÄHKÖNEN & HEIKKI TUULI